AI本身就是艺术,是什么让某物被看做“艺术”?

艺术人必看！AI不是来砸饭碗的，而是来改写艺术规则的🔥

作为多年艺术从业者+艺术学硕士，我深深预感：历史车轮从不会因为抵制而停下，与其螳臂当车，不如张开双臂拥抱AI。真正的艺术，从来不是固守技艺，而是不断突破边界——AI，就是艺术在这个时代的新形态。

你是不是也在骂AI抄袭、毁审美？是不是觉得“一句话就能出图”，根本不配叫艺术？

大家好我是鮌鮌，怀着对AI科技的热情，我钻进AI公司深耕半年才发现：我们都错了——那些开团秒跟抵制AI的人，大多根本不了解AI生图生视频的具体流程；而艺术的未来，必将因AI科技的发展带来核爆级地震💥。

今天，我将用艺术学知识，把AI是不是艺术，是什么让某件作品被看作是艺术说透。

AI艺术，简单来说，就是人工智能根据人类输入的指令，依托算法生成的艺术形式。这几年AI技术的发展速度快得惊人，其创作质量也高得令人惊叹，也正因如此，很多画师都陷入了“饭碗不保”的焦虑。

艺术界首次震感发生于22年，美国科罗拉多州艺术展览上的一幕：一幅完全由AI生成的作品，在评委不知情的情况下，斩获了数字艺术分区的一等奖。

很多人质疑“AI创作不过是敲几个字也能叫艺术？”，却不知这幅作品的诞生，经过了一套精密严谨的指令设计与参数调试——据网上公开资料显示，创作者投入了80小时，编写了900字的精准命令语，再加上后期精细调整，才最终呈现出获奖效果。要知道，这还是前几年的AI水平，如今三年过去，AI的实力早已更上一层楼，比如近期ChatGPT4生成的老照片，逼真度足以以假乱真，让人几乎无法分辨真伪。

图源@zake的ai工坊

我看到大家对AI的误解，大多集中在“AI创作门槛极低，一句话就能完成”，但事实恰恰相反，真正高质量的AI作品，离不开精密的指令设计、参数调试，这背后同样需要专业的审美积累与创意输出，而这也足以见得当下AI的创作功力与潜力。作为艺术人儿，应当大胆接受任何新兴艺术形式；而那些想要抵制AI的人，首先要真正了解AI，了解艺术。

这桩桩件件，宛如一颗核弹炸在艺术圈，尤其是对我们这些艺术生、艺术从业者而言，更让整个艺术界认清一个现实：艺术早已不只是供人欣赏的大众娱乐，已经变成实打实的生产力工具。也正因AI真正威胁到了部分从业者的既得利益，抵制和抗议的声音才接踵而至。但说实话，面对AI这样一个“创作怪物”，从业者们手中可用的反驳筹码，其实并不多。结合我所学的艺术概论、美术史论知识，不妨逐一拆解网上的核心争议。

持这种观点的人，忽略了艺术概论中一个核心认知：审美是持续发展、无法被绝对定义的动态范畴。纵观艺术史，每一次审美革新，都曾被当时的主流声音贴上“降级”的标签：100多年前，马奈打破古典绘画的透视与构图规则

莫奈放弃固有色描画记忆中的形象，被当时的艺术机构评价为“腐烂的色彩”，

梵高以强烈的色彩和狂野的笔触，背离传统写实，通过色彩表达情感，被当时的主流审美斥为“低俗降级”，“胡涂乱抹”；

几十年前，波洛克的抽象表现主义滴溅绘画，被质疑“不过是乱涂乱画”，同样被归为“审美降级”；

杜尚的现成品艺术《泉》（小便池），最初也被诟病“消解艺术严肃性”。

而如今，行为艺术《喜剧演员》（Maurizio Cattelan 莫瑞吉奥·卡特兰，意大利当代艺术家香蕉胶带作品）也是狠狠冲击了大众对艺术的认知“这也算艺术”！

但放到今天来看，这些作品都已成为艺术史的经典，推动了审美边界的拓展。

相比于纠结“是否降级”，我们更应该警惕的，是单一固化、霸权化的审美——AI本身不会导致审美降级，但若被单一审美主导、批量复制，才会真正扼杀审美的多样性，这也是艺术发展中最需要规避的问题。

不可否认，AI的便利与强大，确实可能劝退一部分初学者和专业画师，但我始终坚信，当技术（手绘）的壁垒被打破之后，才是真正考验审美的开始。我也同样坚持认为在ai盛行的年代还有持续手搓的老艺术家。

就像珍妮纺纱机不会替代所有纺织工人，反而呢是提纯为一种更高端小众的手工艺品。我认为AIAI恰恰可以成为传承多元文化的载体。在全球化进程中，很多传统艺术形式、艺术语言、文字符号正摇摇欲坠，若能将这些珍贵的文化素材交给AI去学习、承袭，反而能在一定程度上保住文化的多样性，让小众传统艺术以新的形式被看见、被传承，这何尝不是一种文化保护？

艺术史中，每一次新技术、新工具的出现，都会淘汰一批“技艺执行者”，但也会筛选出一批“创意引领者”——在AI当道的时代，必然会有一批“提纯版”的创作者，坚守手工创作，深耕核心创意，最终成为顶尖画师，就像如今的手工艺术，依旧拥有不可替代的价值。

景德镇醒狮缮物科技有限公司，对外品牌叫醒狮数字缮物 

抄袭，溶图，缝合怪，这一点的争议最大，但如果我们回望艺术史，就会发现“抄袭”这个事你很难说，这一点在中外美术史中都有明确体现。

从中国古代美术来看，罗聘模仿徐渭、

董其昌模仿黄公望、

王原祁模仿王蒙、

王蒙《青卞隐居图》（原作） ；王原祁仿王蒙山水图（仿作）

张大千模仿石涛，

你说这些作品能算抄袭吗？要知道，中国古代山水画从元代赵孟頫开始，就盛行“仿古”之风，他提出的“若无古意，虽工无益”，更是成为后世画家的创作准则，这种模仿与借鉴的风气，一直延续到明清时期，成为中国山水画发展的重要路径。

如果觉得中国山水画太过专业，什么三远五笔七墨对观众来说太过专业。

那我们看看外国美术史：提香模仿乔尔乔内、

乔尔乔内《沉睡的维纳斯》；提香《乌尔比诺的维纳斯》

左边是原作歌川广重的《龟户梅屋铺》，右边是梵高的油画《日本情趣：梅花》

那么问题来了：我作为一个艺术学生，去研究、借鉴某个艺术从业者的作品，算抄袭吗？那AI深度学习某个艺术从业者的作品，又算抄袭吗？

这其实是一个非常复杂的问题，核心在于AI与人类的学习本质有着根本区别——在文艺工作座谈会上的讲话

“大凡伟大的作家艺术家，都有一个渐进、渐悟、渐成的过程。”(精品之所以“精”，就在于其思想精深、艺术精湛、制作精良。古往今来，文艺巨制无不是厚积薄发的结晶，文艺魅力无不是内在充实的显现。凡是传世之作、千古名篇，必然是笃定恒心、倾注心血的作品。福楼拜说，写《包法利夫人》“有一页就写了5天”，”客店这一节也许得写3个月”。曹雪芹写《红楼梦》“披阅十载，增删五次”。正是有了这种孜孜以求、精益求精的精神，好的文艺作品才能打造出来。大凡伟大的作家艺术家，都有一个渐进、渐悟、渐成的过程。文艺工作者要志存高远，就要有“望尽天涯路”的追求，耐得住“昨夜西风凋碧树”的清冷和“独上高楼”的寂寞，即便是“衣带渐宽”也“终不悔”，即便是“人憔悴”也心甘情愿，最后达到“众里寻他千百度”，”蓦然回首，那人却在，灯火阑珊处”的领悟。)

伟大的艺术家都遵循“渐进、渐悟、渐成”的成长规律，人类的艺术学习，更多是“传承+领悟”，是在借鉴前人的基础上，融入自己的情感、审美与思考，实现艺术表达的突破；而AI的学习，本质是“算力+记录”，是通过算法捕捉海量数据中的规律，再进行提取、融合与输出。

有人说AI是“缝合怪”，可如果AI能通过算力，达到像素级、微米级的融合，那还能被认定为抄袭吗？我认为这本身很难界定——毕竟，恶意抄袭三五个作者的作品，显然是抄袭；但如果是融合了上百万个作品的元素，提炼出共性规律再进行创作，那就很难说这不是一种融合创新，这与艺术史中“集大成者为新”的逻辑，有着异曲同工之妙。而这个争议，目前在立法与艺术界，都还没有明确的定论，发展会带来的这些问题，只有通过进一步的发展才能够解决。

还有人说，AI“白嫖”图片很不道德：艺术生要沉淀3~5年，才能熟练掌握的绘画技巧，AI凭借算力一秒就能融合学会，这对学生、初学画师来说太不公平。不可否认，这种落差确实让人无奈，但从艺术概论与人类发展的角度来看，《人类简史》中提到，智人之所以能站上物种链的顶端，最重要的就是我们能够在大脑中创造现实中不存在的东西，并坚定不移地相信——比如国家、宗教、企业、纸币，这些都是人类虚构的“共识”，而艺术，也是这种“共识”的重要载体。这种抽象的信仰、情感共鸣与创意构想，是AI即便拥有再强的算力，花一千年也绝对达不到的，而这，也是人类艺术创作最核心、最不可替代的价值。

我始终相信，AI往后会发展到微米级的笔触和质感，甚至能应用于工业建模，大量用在车企等精细行业，将虚拟作品打印出来、落地现实。但从最本源的创造力上来说，AI永远不可能战胜人类——因为艺术创作和下棋不同，它是一个感性主导的过程，人类只花了100年就从马奈走到了波洛克，实现了审美与表达的巨大跃迁，这是AI埋头苦算千万年也无法复刻的壮举。

然而历史还告诉我们另一件事：资本的逻辑是绝对冷血且不讲道理的。AI相比于人类，价格更低、效率更高、更可控，甚至输出的质量还更加稳定——毕竟人类创作的上限虽然极高，但下限也低得离谱。最后，AI还有一手“王炸”：从目前的立法层面来说，它后续几乎不会有产权纠纷。这些特点，使得AI在日常生活的网游广告、绘本、插图等应用场景中，有着绝对的优势。

虽然很可惜，但我依旧认为，AI是艺术发展中不可替代、不可阻止的脚步。如今画师的处境，和18世纪的纺织工何其相似——200年过去了，手工纺织业并没有彻底消失，而是变成了少数人追求的高端产品，拥有独特的审美价值。我觉得，艺术的未来大概率也会是这样，如今的艺术行业，其实已经显现出这样的趋势。

总而言之，鉴于AI的强大生产力，它必定会在艺术界投下一颗改写格局的炸弹。其实在当下，这种“工具与创意分离”的模式早已存在：比如最近香港巴塞尔艺术展上，很多艺术家的作品，都是艺术家提供创意与艺术构思，交付工厂完成落地，或是将艺术思路告知徒弟、学徒，由他们完成执行。这从某种程度上已经证明，艺术的核心从来都是“人”，是艺术家的创意与思想，而非创作技术本身——AI其实替代的，就是学徒、工厂那一部分重复性的执行工作。

发展带来的问题，只有通过进一步的发展才能解决，而不是故步自封、盲目抵制——历史车轮已经转到这一圈，螳臂当车是停不下来的，不如张开双臂拥抱它。如果真的想抵制AI，不妨先进入AI公司，了解它的工作流程、创作逻辑，再去发表评论，盲目否定，从来都不是对待新兴事物的正确态度。

我认为，AI的最终形态不会是取代人类，而是辅助人类。就像香港巴塞尔艺术展上，艺术家钟愫君（Sougwen Chung）的长达10米的作品，就是通过AI训练的脑机接口，实现自己与AI的脑电波互联互通，完成创作。作为最早一批数字艺术家，她用脑电波与AI交流、共创，这种形式新颖且有深度，也足以证明，AI能成为艺术家的“创作伙伴”，对那些有表达欲、却缺乏精湛技艺的创作者来说，更是一种福音——AI不会扼杀创造力，反而会打破技艺的壁垒，激发更多新鲜的创造力。

回到标题，我再次坚定：AI本身就是艺术。这一点，我们可以用艺术概论中的“艺术体制论”和杜尚的现成品艺术来佐证。杜尚的《泉》，不过是一个工业化生产的小便池，它之所以能成为经典艺术品，核心在于艺术概论中界定艺术的核心标准：艺术家的意图与思想，再加上艺术机构的赋权与推行。

艺术体制论（又称艺术界理论）指出，一件物品能否成为“艺术品”，不仅取决于艺术家的意图与作品内涵，更依赖于艺术体制（美术馆、画廊、艺术批评家、艺术媒介等）的认可与传播。杜尚正是赋予了小便池“挑战传统审美、质疑艺术边界”的思想，再通过艺术机构的展示、批评界的解读，让这件工业品完成了从“日常用品”到“艺术品”的转型。

（【因素之二：艺术语境】 一件作品之成为艺术，并不仅仅是因为它自身的物质属性，也不仅仅是艺术家个人的艺术表达，而是外在于它的一种普遍的艺术观念，使其被接受为艺术。而正是某一时期的特定艺术体制，以及在艺术体制内各个机构和节点共同发挥的作用下，通过不断的宣传、引导、诠释和解读，才决定了“何为艺术”，以及艺术如何被人们理解和接受。在一件艺术品被人们接受的过程中，艺术家所起到的艺术品自身生产的作用是很有限的，也就是说，让一个成品小便器成为艺术的，实则是此一时期一整套艺术机制共同作用下的“艺术语境”赋予了其艺术之名。）

所以AI艺术的要成为艺术品：首先，用AI进行创作的艺术家，必须拥有自己的创造力与明确的创作意图；其次，通过艺术机构、艺术媒介或行业话语权者的推行与解读。这样才能让一件AI生成的产品，被认定为艺术。

我认为，在AI未来的发展过程中，它对创作人指令中的情感、历史背景、细节表达的精准呈现，会成为它真正的价值所在。艺术概论中强调，真正的艺术，从来不是看懂表象，更要理解其背后的内涵与精神内核。而AI本身，就背负着我们这个时代的故事：对科技的依赖与畏惧、对科技的抵抗与迷茫、现代人的情感空洞与精神单薄，还有对娱乐的沉迷、批判与麻木，以及生活中的浮夸与冷静、狂欢与孤独、挣扎与坚守——这一切，都被AI用一种毫无感情、温和客观的方式记录下来，这份时代印记，本身就是艺术。

我选择拥抱艺术、研究艺术，也选择拥抱AI这个时代赋予艺术的新形态——因为艺术的生命力，从来都在于突破与包容。