Dr Peter Ainsworth: Course Leader for MA Photography and Digital Practice (Online)

“我很期待看到学生们如何建立对自己想法的信心，大胆尝试新兴技术，并拓展视觉实践的边界。”---Dr Peter Ainsworth 伦敦艺术大学 UAL Online 数字摄影在线硕士课程负责人。

Dr Peter Ainsworth 集教育者、视觉实践者与研究者于一身，深耕摄影与计算文化领域。他的实践探索了各类新兴技术——从激光雷达（LiDAR）、增强现实（AR），到扩展现实（XR）和生成式人工智能（AI）——如何改变图像的创作、观看与传播方式。

他曾在伦敦传媒学院（LCC）获得摄影硕士学位，如今作为伦敦艺术大学（UAL）线上MA摄影与数字实践课程的负责人，正引领着新一代图像创作者成长。

进入高等教育领域之前，Peter博士在艺术界有着丰富的从业经历——从在达明安·赫斯特（Damien Hirst）的工作室制作作品，到在泰特美术馆（Tate）负责艺术品相关工作长达十年，其中包括多个特纳奖项目的展览。

我们与Peter博士展开了深入对话，聊了这门课程的独特之处、技术如何改变摄影，以及他对那些想突破边界、留下自己印记的创作者们的建议。

📌 个人经历与创作旅程

Q：你第一次意识到自己对摄影感兴趣是在什么时候？

A：摄影一直是我提出想法、推动创意实践的一种方式——无论是作为作品的素材、与其他媒介结合，还是单纯作为思考问题的工具。大约15年前，我开始认真思考摄影的运作方式以及人们体验摄影的场景。我对图像哲学产生了兴趣——它们如何发挥作用、如何传播，以及如何塑造我们对世界的理解。

我以前主要使用胶片摄影，拍摄聚焦伦敦边缘地带的大画幅风景照。但这种情况在苹果发布iPhone 4、Instagram开始改变人们分享和体验摄影的方式后发生了变化——就我个人而言，我用智能手机记录生活点滴的次数，已经超过了大画幅相机或数码单反相机。

大约在同一时期，公民新闻也开始兴起——从阿拉伯之春，到2011年夏天我当时居住的伦敦托特纳姆发生的事件。我至今记得，一边望着窗外，一边通过推特关注街上发生的事情，那种超现实的感觉对我影响很大，尤其是事件的发展速度远远快于其他媒体的报道。

我最初对数字技术的接受度很低，直到手机相机的使用比独立相机更为普遍时，我才开始改变对摄影这一媒介的理解。我当时其实是抗拒这种变化的，一直坚持使用胶片摄影，部分原因是反对技术被用来放大身体畸形、种族表征、名人崇拜等问题。

当Trnio等自动摄影测量应用程序推出后，我开始意识到成像技术的新可能性正被压缩到移动设备中。也就是从那时起，我看到了摄影与技术以前所未有的方式交织在一起，并且渴望进一步探索这种结合。

Q：你的创作旅程是怎样的？

A：我在诺丁汉特伦特大学攻读美术专业，期间我将摄影作为版画创作的素材，或与绘画、拼贴、雕塑装置结合使用。直到最后一年，我的作品才更多地聚焦于摄影本身。

毕业后，我暂停了学业一段时间。我的学位让我有了很多思考，而回到伦敦后——重建自己的社交圈，同时赚取足够的生活费——也需要一定时间。在这段时期，我从事过各种工作，包括在达明安·赫斯特的工作室担任制作者，以及在泰特美术馆协助布置特纳奖等展览。这些经历让我深刻了解到展览的制作过程以及艺术品在机构中的流通方式。同时，我也开始涉足一个自己并不太熟悉的领域——摄影界。

为了进一步发展自己的作品，我参加了几次作品集评审，并从中获得了机会，尤其是通过伯明翰的Rhubarb Rhubarb和德比的Format摄影节。我得到的最有价值的建议是，我需要更深入地理解自己所使用的媒介，因为我的作品集还需要进一步完善和聚焦。于是我申请了伦敦艺术大学LCC的摄影硕士学位，那里的导师极大地拓展了我对摄影实践可能性的理解，让我看到了新的思考和创作方式，对此我非常感激。

完成硕士学位后，我有幸在诺丁汉获得了兼职教学工作，这源于布拉德福德国家媒体博物馆和利兹Pavilion联合发起的一项委托项目。在接下来的10年里，我在英国各地担任过各种教学职务，直到2018年在LCC担任摄影学士课程的教学工作。直到我在玛丽·沃德中心参加了一系列当代哲学研讨会后，我才鼓起勇气发表了第一篇同行评审论文，并申请了金史密斯学院视觉文化系的实践型博士学位。我的研究重点是，博物馆参观者如何利用手机技术的计算成像能力，探索和质疑展览空间中嵌入的机构叙事。

Q：是什么激发了你从事摄影教学的热情？

A：我对摄影教学的兴趣，源于对“图像如何塑造知识”以及“创意工作如何依赖协作”的思考。教学是这一过程的延伸——它是在一个充满关怀和尊重的环境中，创造对话和实验的机会。我的硕士学习让我认识到协作实践的重要性，而在泰特美术馆的工作则进一步强化了“创意过程从来都不是孤立的，它依赖于人们相互协作才能实现”这一认知。我认为教学是一种双向交流，在支持学生建立自己立场的同时，我也能不断完善对成像过程如何演变和重塑文化实践的理解。

Q：学生们可能会对你感到惊讶的一件事是什么？

A：我很喜欢丛林音乐（Jungle music）——从20世纪90年代初它兴起时就开始喜欢了。我还记得十几岁的时候，去达布莱街的黑市唱片店（Blackmarket Records），当时戈迪（Goldie）的金属党乐队（Metalheadz）在1992年发行了单曲《终结者》（Terminator），在那个嘈杂、昏暗而私密的地下室里，我被这首歌的冲击力彻底震撼了。后来在金史密斯学院学习时，我读到马克·费希尔（Mark Fisher）从“ hauntology”（幽灵学）角度对这首歌的分析，深有共鸣。

我不确定这是否直接相关，但我也很着迷于大型科技公司的人物如何利用科幻小说来想象和合法化他们眼中的未来——从埃隆·马斯克（Elon Musk）引用伊恩·M·班克斯（Iain M. Banks）的《文明》系列中后稀缺社会的概念，到山姆·奥特曼（Sam Altman）将GPT的聊天功能比作斯派克·琼斯（Spike Jonze）的电影《她》（Her）。通过这些不同形式的“世界构建”来理解当下的环境，其中蕴含着重要的意义。

Q：到目前为止，你在职业生涯中学到的最有价值的东西是什么？

A：每到新学期开始，我总会回顾“圣心学院艺术系规则”（Immaculate Heart College Art Department Rules）。这些规则提醒我，创意实践依赖于坚持、关怀和开放的心态——没有什么是错误的，学会信任是可以的，而且创作和分析不能同时进行。

我学到，与他人比较永远不会带来任何积极的结果。你有自己的方法，别人也有他们的，这没关系。被启发去创作作品或欣赏你所看到的事物是一回事——而创意上的嫉妒和攀比则是另一回事。你围绕自己作品建立的文化——一种基于尊重、公平和开放的文化——和作品本身同样重要。互相扶持，远比陷入艺术界普遍存在的竞争和价值评判模式更有价值。

Q：行业中谁激励着你？为什么？

A：我很喜欢赞内勒·穆霍利（Zanele Muholi）的作品。她的作品既美丽又具有挑战性，将倡导工作、社区工作与个人表达、强烈的审美和创新的展览体验结合在一起。

我也深受黑托·施泰尔（Hito Steyerl）的影响，她能够以通俗易懂、幽默且发人深省的方式，翻译和诗意地探索关于技术的复杂理念。我尤其喜欢她的表演式讲座。

鲁哈·本杰明（Ruha Benjamin）关于算法偏见的著作，以及她对想象和建设更美好的世界的坚持，对我近期的工作方向——尤其是这门摄影课程的开发——起到了重要的指导作用。

我认为，从生态角度思考图像网络，而不是孤立的单个图像，将变得越来越重要。——彼得

📚 关于课程：核心亮点与行业趋势

Q：为什么人们应该对在伦敦传媒学院（LCC）学习感到兴奋？

A：LCC将创意实践、技术和批判理论融为一体。这里鼓励你去质疑创意实践能做什么、为什么重要。你将与拥有各种不同视角的人一起学习——这些视角由不同的地域、文化、神经多样性体验和社会经济背景塑造。接触这些新的工作、思考和创作方式，正是在LCC学习的魅力所在。

Q：作为课程主任，你最兴奋的是什么？

A：这是一门全新的课程，采用了全新的学习方式——专为跨时区、跨学科的学习者设计。我很期待看到学生们如何建立对自己想法的信心，大胆尝试新兴技术，并拓展视觉实践的边界。

我们鼓励这门课程的学生将摄影和计算技术的发展联系起来，利用这种关系探索在自动化和沉浸式媒体时代，创意实践如何适应和回应时代变化。

Q：你有特别喜欢的课程单元吗？为什么？

A：“最终毕业项目1”（Final Major Project 1）标志着硕士阶段的核心开始，学生们将在这个阶段整合自己的研究和实验成果。到这时，他们已经掌握了扎实的概念和技术方法，并准备好将自己的实践推向新的领域。

正是在这个阶段，批判性反思会不断深化，学生们会开始发现，看似狭窄的主题，其实可以延伸出复杂、相互关联的问题。这些拓展和聚焦的时刻，往往会带来最令人兴奋的突破——这些突破会将学生带入意想不到但充满收获的领域。同时，这也是他们为自己实践的下一阶段定下基调，并准备在自己认为最重要的创意领域重新推出作品的时刻。

Q：有哪些值得关注的行业趋势？

A：或许这已经不是什么新鲜事，但值得重申的是，短视频已经成为镜头类沟通的主流模式。我最近在LCC参加了一个会议，一家通讯社建议大家采用竖屏拍摄，拥抱第一人称叙事视角，并且始终同时拍摄视频和照片，因为现在大多数观众都是通过智能手机查看内容。

另一个重大转变是人工智能生成内容——尤其是视频。虽然目前这项技术大多还在生成低质量或衍生性的内容，但这种情况不太可能持续下去。Runway ML、Midjourney、Sonar等工具，目前仍被视为新颖、新兴且尚未找到可靠定位的工具，但未来创作者将以创新和具有挑战性的方式越来越多地使用它们，同时这也会带来更多令人担忧的应用，比如带有种族主义、性别歧视和伦理批判性质的内容。

Q：在当今的数字环境中，要脱颖而出，最重要的三项技能是什么？

A：技术能力很重要，但适应能力和批判性好奇心同样重要。学习软件的基础知识——尤其是在3D成像和计算过程等领域——能让你获得可迁移的技能，并有信心在新工具出现时去学习和使用它们。

同样重要的是，要质疑技术如何塑造你的思维方式、你的价值观，以及指导你做出选择的伦理准则。围绕自己的作品建立社群至关重要——创意实践从来都不是孤立存在的。创作只是其中一部分；更重要的是进行有意义的连接，思考你的实践服务于谁、如何运作，以及能带来什么价值。这些问题的答案，不仅会塑造你的作品，还会塑造你想成为的创作者类型。

Q：摄影的未来会是什么样子？

A：我们正处在一个有趣的时刻——长期以来关于摄影与真相、事实之间关系的争论，正被越来越难与相机传感器拍摄图像区分的人工智能生成图像重新定义。

目前，人们仍普遍认为人工智能生成图像在很大程度上属于“虚构”的范畴。然而，随着时间的推移，我认为人工智能生成的作品将以更持续、更普遍的方式，进入新闻媒体和个人表征相关的讨论中。随着深度伪造技术变得越来越容易制作和传播，它将对新闻业、政治乃至我们每个人的生活产生怎样的影响，目前仍不确定。

虽然目前的讨论主要集中在这些图像描绘了什么，但我认为新的思考方式将会出现——在现有理论的基础上，不仅关注图像的“再现”，更关注图像的制作、流通和解读。粗制滥造、快速产出、令人上瘾且不断生成的人工智能社交图像文化，已经成为当代视觉体验的“背景噪音”。这一点将变得尤为重要，因为目前沉浸在这种环境中的年轻一代，未来将成为创意领域的核心力量。从生态角度思考图像网络，而不是孤立的单个图像，将变得越来越重要。

你将与拥有各种不同视角的人一起学习——这些视角由不同的地域、文化、观点多样性体验和社会经济背景塑造。——彼得

💬 最后寄语：给申请者的建议

Q：你希望招收什么样的学生？

A：好奇心、开放的心态和敢于冒险的精神。你不必带着自己所有概念或想法的答案而来；你只需要准备好去实验，并批判性地思考你的作品以及你所创作的东西在世界中的定位。

Q：对于考虑申请这门课程的人，你最想给出的建议是什么？

A：这是一个发展你创意实践的机会。在这里，你可以将自己的作品推向比想象中更远的地方。带上你的视角、你的经历和你的疑问。利用这门课程，去挑战摄影的边界——以及它未来可能的发展方向。