夜雨聆风
AI时代,周杰伦偏要花三年＂手搓＂一部真人MV,梵高都来客串了
wuhu专访
耗资2000万
请梵高当“群演”
神还原30幅世界名画
全程无AI
周杰伦新专辑MV《太阳之子》
突破了真人实拍的边界！
3月24日13时，《太阳之子》在台北、北京和上海影院举办全球首映会。
3月28日，QQ音乐发布了周杰伦《太阳之子》的痛楼地图，网友纷纷打卡，探索最佳观景角度！
4月3日，周杰伦杭州演唱会，《太阳之子》作为先行开场曲，燃爆全场！
截至目前，MV官方播放量突破928万，全平台销售额超1.2亿！
时隔四年
继《最伟大的作品》之后
这一次
经典的“杰伦风”古堡美学
都经过了怎样的突破？
《阿凡达》、《霍比特人》、《流浪地球》
综合特效工作室
维塔工作室Wētā Workshop操刀
三年大制作
连续辗转巴黎与台湾
华人艺术家狠狠上大分！
在叙事主题上
创作团队另辟蹊径
融合侦探解谜与吸血鬼题材
MV发布后
好莱坞知名导演温子仁导演
称之为“史诗级”制作！
“复活”名画中的人物
却全程不用任何AI技术
“无限城”式的嵌套空间
层层加码的技术处理
足足6分钟的中世纪复古大片
团队如何在上百幅画作
与上万种故事设定中
筛选出最合适的故事线与大结局？
以此契机
今天wuhu特别邀请到《太阳之子》的
FX导演高峡
美术指导Jacky
一同聊聊这部MV的幕后故事吧！
高峡
其他代表作：
《止战之殇》展览雕塑
“麦尔哲思”
《指环王》手办“索隆之口”
《魔兽》电影官方雕塑
“奥格瑞姆”“杜隆坦”
2016乌镇未来视觉艺术
维塔工作室特展
澳投中医药创意博物馆
Jacky
其他代表作：
《次元拓》 美术指导/美术总监
《Pounamu Pathway – Māwhera Pā》
概念设计师
《Aura: The Forest at the Edge of the Sky》 概念设计师
《CyberBio》 装置艺术作品
wuhu专访第507期
采编 | 佳遥
01
三个月的头脑风暴
“搜刮”艺术界
上百幅名画 几万个故事
近几年，古堡、复古、中世纪，始终是周杰伦新歌绕不开的关键词。相比于四年前的《最伟大的作品》，《太阳之子》被赋予了完整的故事内核。
吸血鬼题材的影片很常见，但如果将吸血鬼和谐融入名画叙事呢？
就算是静音播放，你总会因为世界名画在屏幕上一次又一次的破次元叙事而暂停回放。
也难怪粉丝会多想——难道杰伦要进军影视圈了？
《太阳之子》的故事和创意出自导演廖人帅，这场以画之名的大胆设想从周杰伦在三年前主动向廖导发讯息邀约合作开始。
翻回廖导2023年的ins帖，一切果然有迹可循。
廖人帅曾在七年前执导过《张靓颖-Dust My Shoulders Off》名画MV，在短短9个半小时便空降美国iTunes音乐录像带下载榜单第一名。
《Dust My Shoulders Off》是一场围绕着画作进行的东方狂想，但当时的技术条件有限，整体MV的布景和演绎都更依赖于名画原作，一些世界名作无法与实拍场景融合，更像是一场基于平面的“跳跃”。
本次《太阳之子》中涉及到的两幅画作也曾亮相于《Dust My Shoulders Off》。
《太阳之子》的制作方维塔工作室是周杰伦的老朋友，这座知名特效工作室已经拿下了近30项国际大奖。周杰伦曾在《周游记2》中走访维塔工作室，也与其合作了破次元作品《次元拓》。
高峡：这两个项目最大的联系，更多体现在与杰伦及其团队的合作默契上。随着合作的深入，双方对彼此的工作方式和节奏也越来越熟悉，与杰伦本人的配合也变得更加顺畅。
更重要的是，这些合作经验也为未来展开更多项目打下了很好的基础，留下了更多可能性。
正因为先前的创作经验，对于廖人帅与维塔工作室来说，世界名画的宏观选题不再是无准备的仗。这一次团队致力于构建一个更完整、更宏大的世界观。
名画可以从背景墙上“脱离”，成为复古吸血鬼世界观的“容器”，承载着一整个沉浸式叙事结构。当初寄希望于《次元拓》实现的突破视觉，也可以在《太阳之子》中成功表达。
高峡：在此之前，我们团队已经与杰伦有过两次合作，因此这次也是由杰伦推荐我们与廖导展开合作。几轮创意交流之后，双方很快达成共识，一拍即合，随即进入更深入的创意探讨阶段，重点在于如何实现那些难度极高的视觉镜头。
MV中共包含30幅世界名画，但在此之前，团队曾经研究了上百幅名画，试图在名画之间创建关联，直到探索出一个完整故事的可能性。
廖导和团队足足花了三个月寻找出最合适的作品，并顺延创作出与MV贴切的故事。保证剧本完整的同时还要为日后的场景布局、实拍、技术后期留有余地。
意料之外的是，绞尽脑汁的构思过程其实是一个做减法的过程。因为画作与画作之间的关联结果并不是点对点的绝对答案，几百幅画之间存在上万种故事线的可能，这主要取决于画作的出场顺序和作品本身承载的历史文化意义。
最终三十张世界名画串成了一条迂回而多层次的场景脉络，另一层面上，周杰伦作为中世纪侦探，开启了一段挖掘真相的旅程。
高峡：当我们团队正式接触这个项目时，廖人帅导演其实已经经历了多轮创意打磨——从名画的选择、故事线的串联，到整体创意方向的确立，都已经相当成熟。因此我们介入时，项目已经具备了一套完成度很高的分镜体系。
《太阳之子》故事板&参考图
“世界名画”这一素材与中世纪、古堡存在千丝万缕的天然关联，同时MV中出现的很多世界名画本身就是突破场景、跨越平面二维的最佳伏笔。
在音乐的起伏感中，从画作到场景，再由场景推动着剧情，画家们在百年之前的生动笔触在MV中被延伸成一种氛围，又或是层层渗透的场景，中世纪的神秘故事与现代技术通过创意与思考形成微妙、坚实的联动。
《太阳之子》分镜脚本
02
画作的还原与转译
以透视突破场景维度
古斯塔夫·克里姆特的画作《吻》作为吸血鬼出场的线索，其中的构图比例和色彩在实景镜头中得到了进一步的细化。
《吻》原作
艺术家们置于现代语境重新分析了镀金美学下原始情欲的表达，结合吸血鬼主题文化，最终传统的血腥暴力美学与原始画作相对柔和地对冲，结合歌词，形成了残忍的隐喻：克里姆特笔下的激情之吻，实则是贵族女性的牺牲与别离。
画中具有装饰性的符号元素也被保留应用在吸血鬼和女子的装扮中。
吸血鬼相拥亲吻概念图
Jacky：原作中，恋人在悬崖边缘深情相拥，背景是一片璀璨夺目的金色虚空。设计过程中，我们着力还原那种宁静且具有永恒感的氛围，通过细腻流动的金色颗粒来模拟画作中的金箔质感。
正因为有《吻》这一类的画作用来气氛、呼应歌词，《太阳之子》才拥有了生动流畅的叙事。
与此同时，一些富有力量的画作则在概念图、实拍和后期的托举下打破平面，衍生成多维场景。
比如埃舍尔的《楼梯之屋》和古斯塔夫·多雷为《神曲》创作的版画中的“多维玫瑰圣境”，这两个作品拥有共同之处——在尺度有限的画纸上展现出更多的透视感。
场景设计师自然不会放过这条隐形线索，但也没有按套路出牌。因为打斗场景是高潮部分，横纵双延展只会得到一个普通的楼梯空间，很难适配快节奏、多角度的打戏。
吸血鬼的永生、有来有回的打斗、侦探抗争意识的觉醒，抽象的概念均对应着一个趋近∞的坐标轴。
高峡：最初，我们是基于分镜去强化视觉效果，希望让埃舍尔《楼梯之屋》的画面更具冲击力。
但在尝试了几轮之后，我们发现如果只是对原有结构进行横向的重复和扩展，很容易产生审美疲劳。于是我们开始转换思路，转而向Z轴进行空间延展——去想象在《楼梯之屋》之外，还存在一个更加宏大、甚至无限延伸的世界。
这个转变，也让整个画面的空间感和想象力被进一步打开。
至此，关于楼梯空间的打造尚且处于抽象的概念阶段。
在普通创作者眼中，这类反馈一时间或许难以下手。从平面到立体多维空间，其中的鸿沟不只在技术重现层面，更多地是思考、理解与实践的交互。
好在美术指导Jacky老师拥有丰富的建筑学理论背景，很大程度上帮助团队完成了平面构图到立体世界的转换。
Jacky：建筑学背景确实会在不知不觉中影响我对画面和空间的判断，特别是对于空间关系的理解，以及如何引导观众的视线。
Jacky老师过往操刀的作品不乏复杂的概念图，透视感与丰富层次在图纸中形成了惊人的平衡。同时建筑学与交互设计的双重阅历也奠定了其作品的流畅度与互动性。
Jacky老师作品节选
团队其实还有另一个“不在场”的指导老师——M.C. 埃舍尔，这位艺术大师以跨界物理和艺术而闻名，擅长在平面上“击碎”平面，营造无限“下沉”的幽深画境。
《楼梯之屋》、《天空与水》、《天使与恶魔》、《另一个世界》……曾经那些被世人称作“视觉游戏”的作品被重新作为标尺，为《太阳之子》提供分镜参照坐标。
Jacky：在项目初期，廖导对于埃舍尔的《楼梯之屋》的还原度要求是比较高的。结合运镜的需求，我们很难单纯通过二维概念图来体现空间中复杂的透视变化。为此我们在三维空间中1：1复刻了《楼梯之屋》的基础结构。
团队参照原画作完全打开了思路，杰伦和吸血鬼的行动轨迹完全开放，空间场景可以被完全“打开”，更不需要考虑失衡的效果。墙面、天花板、吊顶都可以是打斗地点以及开启下一层级空间的开关。
教堂打戏场景概念图
举一个形象的例子，“楼梯大战”的概念神似《鬼灭之刃》里的“无限城”，360°延展，每一处都能开启一个维度空间，是在横纵基础上再进一步的思考与诠释。
Jacky:这个镜头的最初时长设定上是10秒左右，由于相机在这个场景中的速度比较快，原画空间大小不足以支撑我们所需的拍摄范围。团队与导演进一步展开创意探索，在原有结构基础上引入了层层叠加的“无限城”背景，以及通向宏大漩涡空间的视觉过渡，并最终延伸至漩涡中心杰伦与吸血鬼的决战平台。
楼梯场景概念图
正如MV中展现出的平行时空效果，空间本身就是一个开放式命题。
Jacky:杰伦和吸血鬼在多维空间打斗的场景中,人物可以在地面、墙面甚至天花板上运动，形成一个循环的空间迷宫。为了避免空间拼接的割裂感，我们对空间设计上下了不少功夫，通过模糊墙与地面的边界，拉伸和扭曲结构，建立一种连续的“伪透视”关系。
同时复合式的场景也紧密呼应了MV的叙事节奏，一开始相对封闭的环境对应了“危机”，杰伦摘掉窗户上的十字架后，则开启了后续空间，象征着“缠斗”与“转机”。
而从Jacky老师精通的建筑学角度来看，这也印证了建筑空间与文化、情绪、记忆持续共鸣的理论。
这种从“收”到“放”的过程，其实跟做建筑动线的思路很像，帮助我们更准确地传达出镜头的情绪，也让整个场景呈现出更加统一且具有张力的怪诞空间秩序。
此外，吸血鬼与侦探在打斗镜头中所释放的蝙蝠的运动轨迹以及用于转场的蝙蝠墙也进行了多轮迭代与探索。
蝙蝠不仅仅是吸血鬼随时释放的“特效”，也是对关键情节的重点标注，每当打斗到激烈时，蝙蝠群象征着一个转场，自然切换至下一维度的打斗场。
蝙蝠建模图
Jacky：蝙蝠墙的概念一开始是比较抽象的，我们最初是参考了埃舍尔的《天空与水 I》试着用倒挂着的蝙蝠剪影以及背光来勾出黑白组合的图案。在反复迭代后我们最终使用了埃舍尔的《天使与恶魔》作为参照，才有了我们现在版本的蝙蝠墙，一个由天使和蝙蝠浮雕组成的墙体造型。
03
巴黎&台湾
极致把控演员与场景
中西合璧的“跨次元”拍摄
前期创意作为故事主导，间接引导了《太阳之子》的实拍与后期技术。
横跨巴黎与台湾的实拍旅程造就了中西合璧的魅力，作品主体拍摄于2025年1月在巴黎圣女贞德教堂完成，随后于2025年4月在台北进行补充拍摄。这其中，华人艺术家起到了举足轻重的作用。
高峡：西方团队通常更强调充分的前期准备，会在项目开始前将导演意图、设计方案等内容拆解得非常细致，再按照既定计划推进执行。
而东方团队则更倾向于在整个过程中保持灵活性和创造力，边推进边调整，创意响应会更加快速。
在这个过程中，廖人帅导演展现了非常出色的耐心，同时也始终坚持自己对内容的判断和标准，我和导演经常会讨论各种可能性，找到最佳的解决方案。
巴黎拍摄期正值严寒，同时还面临跨国拍摄的同步问题，团队一边需要在两地之间进行协调与沟通，一边还要专注现场的细节。
高峡：我们的整体工作分配是这样的：巴黎的拍摄大约占总量的20%，主要集中在教堂实景的拍摄，以及杰伦与吸血鬼之间的对手戏，同时也完成了杰伦和吸血鬼角色的全身扫描数据采集。
剩下的大部分镜头，则是在台北的Studio内完成，包括大量的实景搭建、绿幕拍摄以及威亚镜头的执行。
巴黎的教堂拍摄地一开始空空荡荡，中世纪风格美学不够强烈，为此实拍团队和美术团队跑遍了巴黎的道具仓库，在21世纪的市集中反复寻找时光回溯的标签物品，用于布景19世纪的吸血鬼堡垒。
当19世纪的堡垒重新暴露在百年后的公众世界，比焕然一新更重要的是重塑时间感。
光鲜穿过层层叠叠的蜘蛛网，如果你在实拍场地观察这些细节，可能只会直观感受到沧桑与古旧。但当现场被转译为周杰伦独有的MV语言符号时，原本看起来非必要的细节已然成为《太阳之子》的核心象征。
穹顶打下的神圣光线来自教堂外的九台吊车，蜘蛛网也由艺术家们手工编织而成。
一座被世人遗忘的古堡重现眼前，推门而入的那一刻，神圣与恶魔交织与辉映，联结感、层次性均出自一个个手工打磨的细节。
而项目在启动之初，制作团队就已经火速寻找演员，首要要求就是无限还原原画，廖人帅导演还在2025年发帖公开寻找扮演梵高的演员。
周杰伦与梵高对话前出现的女演员仅有一秒镜头，实际上，为了给这位女演员找合适材质的帽子，造型师走访了很多店，终于在一家网店定制出了合适的帽子。
帽檐的弯曲度、整体的线条都为了适配女演员的大衣造型。当然你仔细看，会发现这个演员几乎与原画作《自助餐厅 (Automat)》中的人物一模一样。
MV中有一幕“女性尸体浮在水面”的关键镜头，同样经历了严格的选角过程。
B站博主@魏无瑕Cleo被邀请参演这个镜头，Cleo拥有一张标准的油画脸，更巧合的是，她也曾经在几年前拍摄过这个镜头的幕后画作《奥利菲亚》。
在幕后特辑所释放的后台画面中，实拍演员的数量远比大家想象中的多。画中的角色从画纸中走出来，再以无声讲述者的身份重新融入全新的复古叙事中。
高峡：在台北阶段，拍摄更依赖大规模的场景搭建与绿幕结合，对镜头调度的复杂度提出了更高要求。除了我们通过Previs提供精准的数据支持之外，负责摄影的克勤老师以及美术组的鸡肉饭老师都非常专业，为导演和视效团队打下了漂亮而扎实的画面基础。
04
全程零AI制作实景拍摄技术
目前AI制作流程的愈发成熟，甚至可以在专业人士的把控下实现大制作。但在AI风头正盛的时候，维塔工作室却依旧坚持沉淀三年，全程采用真人实拍。
人文与艺术的一比一演绎让MV更具有温度性，《太阳之子》用真人实拍这一最为朴素的形式向人们证明：源自人的创造力到底有多珍贵。
但基于这个创作多元化的时代，wuhu还是问出了那个关键问题——为什么不用AI制作？
Jacky和高峡给出了各自的答案。
高峡：像《太阳之子》这种在AI时代里仍然坚持“手搓”的大制作MV，很可能就是一种“空前绝后”的行为了。从某种意义上说，杰伦的这种坚持，本身也是一种艺术。
Jacky：无论AI有多么的强大，作品的核心还是需要驱动于人本身，由创作者来赋予一个作品灵魂，来决定传达给观众的情绪和信息是什么。
但团队对AI的态度并不是一味地抵制，毕竟现实因素也是AI未被启用的原因之一——MV从2023年11月开始启动，当时AI发展的程度无法满足大家对质量的要求，而时间线拉到2025年，AI的发展力虽然直线跃升，但团队对《太阳之子》的期望值很高，再先进的AI工具也不能触及那条刻度线。
同时这里也有个一直难以解决的问题：版权与雷同性。AI生成概念图也就几秒钟的时间，但在这几秒钟里，AI所检索的训练素材决定了最终图像的雷同性。
Jacky:为了能够规避这种“AI感”，实现一张好的概念设计图是需要艺术家反复和AI来回碰撞的。往往需要艺术家自身的手稿作为输入媒介，用来引导AI生成方向。AI在这个过程中，更像是在帮助我们减少素材搜集与整理的时间，让艺术家可以更加专注于设计本身上。
其实维塔团队在在机器人领域，已经开始结合AI技术来实现例如表情控制等驱动层面的应用。由于工作室对版权的绝对尊重，AI在其中担任辅助者，并不会直接输出结果。
Jacky：对于AI技术的使用，我个人始终保持一种开放的态度，不断学习、尝试并理解它的边界。相比早期“开盲盒”式的生成方式，如今的AI已经变得越来越可控，也越来越像一个可以用于创作工具。但如何使用好这个这个工具是一个值得思考的问题。
在《太阳之子》中，源于创作者的力量与韧性尤为可贵。当AI不断输出精致作品，当人们习惯性将AI制作的标签强加在优秀作品中，艺术家们则用自己的创造力诠释了真正的力量来自于“人”，而非工具。
高峡：从创意层面，我觉得无论AI有多么的强大，作品的核心还是需要驱动于人本身，由创作者来赋予一个作品灵魂，来决定传达给观众的情绪和信息是什么。
参与制作《太阳之子》的艺术家们以日日夜夜的协作，在音乐、台词、画面、原作品之间建立起一条不可分割纽带。
这种经典又原始的制作流程，无形中带着几分对AI创作的冲击式回应，亦承载着团队的心血，稳重地将作品托举得更高、更远。
创作工具在无限迭代，如果在AI制作的先行条件下，《太阳之子》的成本、损耗、异地拍摄乃至一系列意外不可控都有破解之法。
但团队依然采用用电影工业体系去做MV。也许你会觉得，工业级别的团队做3D电影都不在话下，一个小小MV不过是九牛一毛。
但在影视实践中，小体量MV意味着工业流程要足够“精细”。
高峡：首先，电影通常拥有更庞大且成熟的工业流程体系，资产和R&D成果也更容易在不同项目中被复用或持续优化。但在MV中，很多内容是高度定制化的，往往只服务于一个镜头，甚至可能只出现不到一秒，这在无形中提高了时间和资源的投入成本。
经典流程足够稳定、交付质量也足够可靠，但对于MV来说，流程本身的厚重性与小型作品的灵活性存在不可避免的矛盾。所以维塔工作室在制作的前中后期全员保持高度配合，以便后期临时调整。
AI热度居高不下，我们忙着拥抱新体验，一回头才发现，似乎已经离具象化的创作过程很远了。
AI工具为创意提供了一条更为垂直简化的落地通道，传统制作路径则成了“非必要选项”。二者之间的矛盾早已随着AI技术的逐渐成熟而衍化出一种共鸣——
在这个灵活创作时代，究竟什么才是不可替代的？
当我们看到《太阳之子》，重回幕后舞台，就会发现，答案自始至终都没变——
创作的初心，思考的过程，明知有阻碍依旧要去突破的决心，始终根植于创作之初，印刻在作品的底色之间。
创作在发光，每一位参与者都是“太阳之子”。
感谢高峡和Jacky的精彩分享，都看到这儿了，赶紧再去看亿遍《太阳之子》MV吧！都了解这么多幕后了，相信大家还会对MV有不同的理解，评论区分享一下~
END
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