2026年河南大学624艺术概论考研真题答案(直接背诵)

一、名词解释（每题6分，共30分）

1. 表现论

表现论是关于艺术本质的一种重要学说，它主张艺术是艺术家主观情感、心灵与内在精神的表现，而非对客观现实的模仿再现。其理论源头可追溯至中国古代"诗言志""情动于中而形于言"的观念，在西方则由克罗齐、科林伍德、苏珊·朗格等人系统阐发。

特征： 其一，强调艺术源于主观情感，克罗齐认为"艺术是幻想或直觉""直觉只能来自情感，基于情感"；其二，主张艺术是"内在表现"，科林伍德认为真正的艺术是艺术家内心情感的外化；其三，认为艺术是人类情感的符号显现，如苏珊·朗格提出艺术是"情感的形式"。

例子： 梵高《星月夜》以扭动的笔触表现内心激荡；中国写意画"逸笔草草，不求形似"，重抒胸臆；音乐更是典型的表现艺术，贝多芬《命运交响曲》直接抒发与命运抗争的情感。

总结： 表现论揭示了艺术与主体心灵的深刻联系，与再现论互为补充，共同构成理解艺术本质的重要维度。

2. 艺术作品

艺术作品是艺术家运用特定艺术语言和物质媒介，将其审美意识物态化、形象化而创造出来的成果，是艺术创作活动的产物，也是艺术接受的对象。

特征： 其一，它是内容与形式的统一，既包含艺术家表达的审美意蕴，又体现为具体的艺术语言形式；其二，它具有层次结构，一般可分为艺术语言、艺术形象、艺术意蕴三个层次；其三，它具有独立的审美价值，是审美意识物态化的表现形式。

例子： 达·芬奇《蒙娜丽莎》——画布油彩是艺术语言，"神秘微笑的女性形象"是艺术形象，"人文主义精神与生命之美"是艺术意蕴；中国京剧《贵妃醉酒》亦以唱腔身段塑造形象、传达意蕴。

总结： 艺术作品是艺术活动的中心环节，它连接创作与接受，是艺术价值得以承载与实现的物质基础。

3. 艺术自律说

艺术自律说主张艺术具有独立自足的价值与规律，艺术的评判标准应内在于艺术自身，而不应依附于道德、政治、宗教等外部因素。它强调艺术"为艺术而艺术"，以形式与审美为艺术的本体。

特征： 其一，强调艺术的独立自主性，认为艺术有其自身的发展逻辑；其二，重视形式与技巧的自足价值，如克莱夫·贝尔提出的"有意味的形式"；其三，主张艺术的非功利性，认为审美应摆脱现实功利。

例子： 唯美主义代表王尔德提倡"为艺术而艺术"；克莱夫·贝尔认为艺术的本质在于"有意味的形式"；中国文人画强调"写胸中逸气"而不计工拙，亦含自律意味。

总结： 艺术自律说张扬了艺术的独立性与形式价值，但若走向极端则易脱离社会人生，因而需与他律说辩证统一。

4. 艺术消费

艺术消费是指社会公众在艺术接受过程中，对艺术作品进行欣赏、鉴赏与购买、使用的活动，是艺术生产流程中使艺术产品价值得以实现的重要环节。

特征： 其一，它具有精神消费属性，主要满足人的审美与精神需求；其二，它具有主动性与再创造性，消费者通过欣赏参与作品意义的生成；其三，它受市场规律与审美趣味双重影响，体现为艺术的社会传播。

例子： 观众购票观看话剧《茶馆》、音乐厅欣赏交响乐，都是典型的艺术消费；数字时代人们购买、点播线上影视与数字艺术品，扩展了艺术消费的形态。

总结： 艺术消费是艺术价值实现的终点与新的起点，它使艺术进入社会流通，反哺艺术生产，推动艺术的再生产。

5. 艺术品

艺术品是艺术家审美创造的物质结晶，是艺术家通过艺术构思和艺术传达，将审美意象物化为可以通过感官感知、具有审美价值的实体或形式。它同"艺术作品"概念相近，更强调其作为审美物态化成果的实物性与审美性。

特征： 其一，它是人工创造物，凝结着艺术家的创造劳动；其二，它具有审美价值，能引发审美感受；其三，它是可感知的物质形态，如绘画的颜料布面、雕塑的石材金属。

例子： 罗丹的青铜雕塑《思想者》、敦煌莫高窟的彩塑壁画、故宫博物院藏的《清明上河图》，都是承载审美价值的艺术珍品。

总结： 艺术品是艺术价值的具体承载者与传播媒介，其魅力在于以物化形式凝结了不可复制的审美创造。

二、简答题（每题8分，共40分）

1. 简述禅宗理念

"菩提本无树，明镜亦非台。"禅宗是中国佛教的重要流派，其核心思想对艺术审美产生了深远影响。首先，禅宗主张"明心见性""即心即佛"，认为佛性本自具足，不假外求，强调直觉体悟而非逻辑思辨。其次，禅宗追求"不立文字，直指人心"的顿悟方式，讲究超越语言的直接领会。再次，禅宗崇尚"平常心是道"，认为修行就在日常的担水砍柴之中，主张返归本真、自然无为。

结合艺术来看，其一，禅宗促成中国艺术重"意境"、轻"形似"的审美取向，如王维的山水诗画"诗中有画，画中有诗"，意境空灵悠远；其二，禅宗影响了中国水墨写意画的发展，如南宋梁楷的减笔人物画、牧溪的水墨花鸟，寥寥数笔寄寓深远；其三，禅宗的"顿悟"与艺术灵感、审美直觉相通，为艺术创造提供了独特的思维资源。

总结而言， 禅宗理念以其直觉体悟、自然本真的精神，深刻塑造了中国艺术"重意境、崇自然、尚空灵"的审美品格，是中国美学精神的重要来源。

2. 简述艺术创作的形式与特点

"艺术是有规则的自由。"艺术创作是艺术家运用审美经验与艺术语言，创造出艺术作品的创造性活动，是一个有机的过程。首先，从形式（过程）上看，艺术创作大致可分为艺术体验、艺术构思、艺术传达三个相互联系的阶段：艺术体验是积累素材、感知生活的准备阶段；艺术构思是对素材进行加工提炼、形成审美意象的酝酿阶段；艺术传达是借助媒介将意象物化、完成作品的呈现阶段。三者层层递进、不可截然分开。

其次，艺术创作具有鲜明特点。其一，创造性。 艺术的生命在于创造，贵在"新"与"独创"，能推出"这一个"。其二，审美性。 艺术创作以审美为核心，按"美的规律"进行创造，塑造审美形象。其三，情感性。 艺术创作饱含情感，是理智与情感的结晶，如《诗经》"情动于中而形于言"。其四，个体性与社会性的统一。 创作既体现艺术家的独特个性与风格，又反映时代精神与社会生活。

再次，结合例子看：曹雪芹"披阅十载，增删五次"创作《红楼梦》，体现了漫长的构思与传达过程；齐白石"似与不似之间"的追求，体现了审美的独创性；杜甫"三吏三别"的创作，则体现了创作与社会现实的紧密结合。

总结而言， 艺术创作是一个由体验到构思、由构思到传达的动态创造性过程，兼具创造性、审美性、情感性与社会性，是艺术家心灵与生活的深情相遇。

3. 简述艺术中平衡和不平衡的关系

艺术中的"平衡"与"不平衡"，是形式美规律中一对相辅相成的关系。首先，平衡指艺术形式的均衡、匀称与和谐。 它包括对称平衡与不对称平衡，体现为构图、结构、色彩、节奏上的稳定与协调。古希腊雕塑、古典建筑、中国宫殿布局都讲究对称均衡，给人庄重、安定之美。其次，不平衡指艺术形式上的变化、动势与突破。 倾斜的构图、强烈的对比、突兀的节奏，能打破沉闷、营造动感和张力。如苏轼《黄州寒食帖》字势欹侧，反而显出跌宕的情感。

再次，平衡与不平衡是辩证统一的关系。 一方面，二者相互依存——没有均衡的底子，变化便成混乱；没有变化的调节，均衡则流于呆板。另一方面，二者在一定条件下相互转化，艺术常常"以不平衡求平衡"。如徐悲鸿的马，前蹄腾空、重心倾斜，却在动势中达到更高的平衡；中国园林"虽由人作，宛自天开"，正是在"曲径通幽"的不规则中抵达整体的和谐。

总结而言， 平衡与不平衡是形式美中一对辩证统一的规律。艺术既求和谐之"稳"，又求变化之"动"，在动与静的张力中实现"多样统一"，这正是艺术形式美的奥妙所在。

4. 简述根据艺术门类，说明科技对其影响

"艺术需要科学的帮助。"科技与艺术的关系，随艺术门类不同而呈现不同面貌。首先，科技对艺术门类有开创与催生之功。 摄影术的发明催生了摄影艺术，电影的诞生直接依赖摄影与放映技术，电视、数字媒体的出现更开创了影视艺术新门类。

其次，科技对不同门类的影响深浅各异。 其一，对综合艺术（电影、电视）影响最为深刻。 电影从无声到有声、从黑白到彩色、从胶片到数字，每一次飞跃都由技术推动；《阿凡达》的3D技术革新了观影体验。其二，对造型艺术影响直接。 颜料、材料、工具的进步改变绘画面貌，如油画颜料催生西方写实绘画；数字绘画、AI生成艺术则拓展了造型艺术边界。其三，对表演艺术影响在于记录与传播。 录音、录像技术使音乐、舞蹈、戏曲得以保存和传播，如数字技术使濒危戏曲得以留存。其四，对语言艺术影响相对间接。 文学以文字为媒介，受技术影响较轻，但网络文学、数字出版仍改变了其创作与传播方式。

再次，需辩证看待科技的影响。 科技既能拓展艺术表现力、丰富艺术门类，也可能带来技术泛滥、艺术性弱化的问题。

总结而言， 科技对各艺术门类的影响因门类媒介不同而异，它是艺术发展的重要推动力。当代艺术更应善用科技，让技术服务于艺术，而非让技术取代艺术。

5. 简述艺术媒介有哪两种，谈一谈你的认识

"媒介即讯息。"汉艺术媒介是艺术创作与传播所凭借的物质载体与表现手段。通常而言，艺术媒介可分为物质媒介与艺术语言（符号）媒介两种。

首先，物质媒介指艺术创作所依托的物质材料，如绘画的颜料布面、雕塑的石材青铜、建筑的木石砖瓦、影视的胶片数字设备等。它决定了艺术的物质存在形式与感知方式。

其次，艺术语言媒介指艺术用以塑造形象、表达意蕴的符号系统与表现手段，如绘画的线条色彩、音乐的旋律节奏、文学的语词、影视的镜头画面等。它决定了艺术的表现方式与审美特征。

再次，两种媒介是统一不可分割的。 物质媒介是基础，艺术语言媒介是灵魂，二者共同构成艺术作品的呈现形式。如雕塑既要依托石材（物质媒介），又需通过形体塑造语言（艺术语言媒介）来表现形象。中国画的"笔墨"既是物质材料，又是独特的艺术语言，二者浑然一体。

我的认识是： 其一，媒介不是被动的工具，而是"有意味"的，媒介本身参与艺术意义的生成，正如麦克卢汉所言"媒介即讯息"；其二，不同媒介造就不同艺术特性，媒介的差异是艺术门类区分的重要依据；其三，当代数字媒介正在深刻改变艺术形态，催生新的艺术语言与审美经验，艺术家应深入把握媒介特性，让媒介成为艺术创造的有力翅膀。

总结而言， 物质媒介与艺术语言媒介是艺术媒介的两个基本层面，二者统一于艺术作品的呈现之中。深刻理解并驾驭媒介，是艺术创造的重要课题。

三、论述题（每题15分，共45分）

1. 论述造型艺术与表演艺术的异同

造型艺术与表演艺术是艺术大家族中两个重要门类：前者以绘画、雕塑、书法、建筑为代表，后者以音乐、舞蹈、戏曲为代表。二者同属人类审美创造的结晶，却又各具鲜明特性。在我看来，二者的"同"在于共同的审美本质，"异"则体现在存在方式、感知方式与创作方式等多个维度。

首先，从"同"的方面看，二者具有共同的本质与追求。 其一，都是审美的创造。 无论造型艺术还是表演艺术，都遵循"美的规律"，塑造审美形象，传达审美意蕴，给人以审美感受。其二，都源于生活又高于生活。 绘画再现山川人物，舞蹈提炼生活动作，二者都以生活为基础又超越生活。其三，都具有感染人、塑造人的社会功能。 一幅好画能陶冶性情，一场好戏能教化人心，二者都承担着审美、认识与教育的功能。

其次，从"异"的方面看，二者在多个层面存在显著区别。

其一，存在方式不同。 造型艺术是空间艺术、静态艺术，其形象以物质实体固定于空间中，如《蒙娜丽莎》一旦完成便恒久存在；表演艺术是时间艺术或时空综合艺术，其形象依托表演而生成，具有流动性与一次性，如舞蹈、音乐随表演结束而消失。

其二，感知方式不同。 造型艺术主要作用于视觉（部分兼及触觉），通过形体、色彩、线条直接诉诸观者眼睛；表演艺术作用于听觉（音乐）或视听综合（戏剧、舞蹈），需要在一定时间流程中逐步感知。

其三，创作与呈现方式不同。 造型艺术创作与作品呈现合一，艺术家完成后作品即定型；表演艺术则需二度创造——剧作家提供剧本，演员通过表演完成艺术形象的最终呈现。正如焦菊隐的"二度创造"理论所揭示的，表演艺术尤其在戏曲中，剧本只是"一剧之本"，真正动人的是演员舞台上的"心象"与呈现。

其四，与观众的关系不同。 造型艺术观众可自主控制欣赏节奏，反复品味；表演艺术则要求观众与表演同步在场，形成"当场的交流"。如戏曲演出中演员与观众"同呼吸"，观众的叫好会激发演员的表演状态。

再次，结合具体实例来看。 敦煌彩塑与壁画是典型的造型艺术，以物质实体凝固千年之美；而梅兰芳的京剧表演则属表演艺术，其"手眼身法步"的程式化呈现、与观众的直接互动，构成一次性的、活的艺术体验。但值得注意的是，二者边界也在融合：戏曲的脸谱服饰兼具造型性，舞剧则综合了造型与表演。

造型艺术与表演艺术的"异"，归根结底在于"物化"与"人化"之别——前者将审美意象凝结于物，后者通过人的身体与表演来生成美。二者各擅胜场：造型艺术重"留"，把美凝固于永恒；表演艺术重"流"，把美绽放于当下。在当代艺术中，二者的界限正日益交融，跨界融合成为新趋势，这恰恰说明艺术的魅力在于不断创新。

总结而言， 造型艺术与表演艺术同源而异流，同为审美创造，却分属"静态物化"与"动态人化"两条路径。理解二者的异同，有助于我们更深入地把握各艺术门类的独特魅力。正如苏轼所云"诗中有画，画中有诗"，艺术门类之间相通相融，最终都通向人类审美精神的至高境界。

2. 论述审美态度的发展历程和艺术接受作用

"趣味无争辩，但审美有尺度。"审美态度是主体在审美活动中对待对象的一种特殊的心理状态，它以非功利、超实用的观照态度为核心，是审美活动得以发生的重要前提。艺术接受则是接受者以艺术作品为对象，进行审美体验、鉴赏与批评的活动。在我看来，审美态度有其历史发展历程，而它在艺术接受中发挥着不可替代的枢纽作用。

首先，审美态度经历了由功利到非功利、由混融到自觉的发展历程。

其一，古代：审美态度的萌芽与混融。 在原始社会，审美与实用、宗教、巫术混融一体，人们并不以纯粹审美的眼光看待对象。随着人类审美意识的觉醒，审美态度逐渐从功利活动中分化出来。中国古代先秦时期，孔子"兴于诗，立于礼，成于乐"已将审美与人生修养联系起来；老庄的"涤除玄鉴""心斋坐忘"，则提出了"虚静"的审美观照态度。

其二，近代：审美态度的理论自觉。 18世纪，英国美学家夏夫兹博里提出"审美无利害"观念，康德进一步系统论证了审美判断的"无目的的合目的性""无功利性"，确立了审美态度的理论地位。布洛的"心理距离说"则具体阐明了审美态度所要求的"不即不离"的心理距离。

其三，现代：审美态度的多元拓展。 随着现代艺术的发展，审美态度也趋于多元。分析美学、现象学美学等对审美态度作了新的探讨；同时，艺术走向大众、走向日常生活，审美态度与生活经验的边界也日益交融。这启示我们，审美态度既非僵化不变，也非完全主观，它随时代而发展。

其次，审美态度在艺术接受中发挥着核心作用。

其一，审美态度是艺术接受的"入场券"。 只有以审美态度观照对象，才能不被功利、实用、伦理等现实意义所遮蔽，真正进入审美境界。欣赏一幅山水画，需"悬置"其市场价值，以虚静之心品味意境。这正是布洛"心理距离"的意义。

其二，审美态度决定艺术接受的深度。 以审美态度投入，接受者才能与作品产生"共鸣"，获得深层的审美体验与情感陶冶，从而洞察作品的艺术意蕴。如欣赏京剧《贵妃醉酒》，只有放下浮躁、静心品味，方能体会其唱腔与身段中的无穷韵味。

其三，审美态度促成艺术接受中的"再创造"。 接受美学的姚斯提出"期待视野"，认为接受者的审美态度与经验结构，会主动参与作品意义的生成。审美态度越自觉，接受者的想象与再创造就越丰富。

再次，结合当代实例来看。 传统戏曲《诗宴·唐才子传》融合唐诗文学性与昆曲表演艺术，在现代舞美技术催化下产生强大感染力。观众欲真正欣赏这类当代戏曲，就必须具备自觉的审美态度——静心体味其传统精髓与当代创新的统一，而不是以娱乐化、碎片化的态度对待，如此才能真正实现艺术接受的价值。

审美态度的发展历程，本质上是人类审美意识由自发走向自觉、由混融走向独立的过程。而在艺术接受中，审美态度是"看的方式"——它不仅决定我们能否进入艺术之门，更决定我们能走多远、看得多深。在当今文娱消费高度发达的语境下，培养自觉的审美态度尤为重要：既要尊重接受者的自主性，也要通过审美教育提升大众的审美能力，避免沉溺于浅表娱乐。

总结而言， 从古代的混融萌芽，到近代的理论自觉，再到现代的多元拓展，审美态度经历了深刻的发展历程；而在艺术接受中，它以"非功利观照"为核心，发挥着"入场、深化、再创造"的关键作用。正如宗白华所言，审美是"对美的观照"，唯有以审美态度观照艺术，我们才能真正"读懂"艺术，获得精神的升华。

3. 论述文化创意产业的特点

"创意经济是21世纪的引擎。"文化创意产业是以文化为基础、以创意为核心、以知识产权为依托，通过技术手段和产业化方式生产、经营和传播文化产品和服务的产业形态。它是21世纪最具活力的新兴产业之一。在我看来，文化创意产业具有以下几个鲜明特点。

首先，以创意为核心，以内容为王。 文化创意产业的根本动力是"创意"，即创造性的思想与表达。不同于传统制造业依赖土地、资本等物质要素，其核心竞争力在于人的创造力与原创内容。无论是电影、动漫、游戏，还是设计、广告，其价值都源于独特的创意内容。如电影《流浪地球》之所以成功，正在于其原创科幻构思与视觉创意。

其次，以文化为基础，以知识产权为依托。 文化创意产业以文化资源为源头，将文化内涵转化为可经营的产品。而知识产权的保护与经营，是其价值实现的关键。版权、商标、专利等构成了产业的价值链条。如迪士尼以文化故事为基础，通过版权运营与IP开发，构筑起庞大的产业帝国。

再次，具有高科技、高附加值、融合渗透的特点。 其一，高科技属性。 数字技术、互联网、人工智能深刻改变了文化创意产业的生产与传播方式。数字影视、网络游戏、短视频平台都是科技与文化的结晶。其二，高附加值。 创意产品以知识、创意为核心要素，其边际成本低、附加价值高。其三，融合渗透性。 文化创意产业能与旅游、制造、农业等各行各业融合，形成"文化＋"的跨界发展，如文创产品、文旅融合。

此外，还具有"轻资产、重人才"的特点。 其资产以无形资产（创意、品牌、版权）为主，人才是最核心的资源。同时，其市场需求多样、更新快、面向大众消费，具有很强的市场导向性与时尚引领性。

再次，结合当代实例来看。 北京798艺术区、故宫文创、网络文学与影视改编、国产游戏出海，都是文化创意产业的生动实践。以故宫文创为例，它把传统文化资源转化为充满创意的生活产品，实现了文化传承与产业价值的双赢，充分体现了"创意核心、文化为基、融合渗透"的特点。

文化创意产业的崛起，标志着经济形态从"物质驱动"向"创意驱动"的转型。它既是经济增长的新引擎，也是文化传承与传播的新载体。但也要清醒看到：其发展必须坚持社会效益与经济效益相统一，不能一味追流量、逐利益而丧失文化品格。唯有以优质内容为根、以创意创新为魂、以知识产权为盾，文化创意产业才能真正行稳致远，成为增强文化自信、传播中华优秀传统文化的重要力量。

总结而言， 文化创意产业以创意为核心、文化为基础、科技为羽翼、知识产权为依托，具有高科技、高附加值、强融合、重人才等鲜明特点。它是当代经济与文化的交汇点，也是文化强国建设的重要支撑。正如约翰·霍金斯所言，创意是21世纪的"货币"，文化创意产业必将释放出更加强劲的发展动能。

四、材料分析（35分）

根据宗白华《美学散步》的一段材料，论述艺术体验与艺术审美的关系

"散步是自由自在、无拘无束的行动。"

宗白华在《美学散步》中倡导一种自由、从容、生机盎然的审美观照方式，主张以"散步"般的心态去体味美、感受生命律动。他的美学思想深刻揭示了艺术体验与艺术审美之间互为前提、相互生成的关系：艺术体验是艺术审美的根基与起点，艺术审美是艺术体验的升华与归宿，二者在动态的审美过程中交融统一。

首先，艺术体验是艺术审美的根基与前提。 宗白华强调，审美不是凭空产生的抽象思辨，而是源于对生命、自然、人生的亲身感受与体验。在他看来，中国艺术的精神"既不是纯客观的，也不是纯主观的"，而是"客观与主观的统一"，这一统一正是通过体验达成的。艺术家唯有深入体验山谷水光、生活风雨，才能在作品中塑造出有生命、有意味的形象。

结合实例来看， 宗白华在《美学散步》中特别推崇中国画的"气韵生动"。所谓"气韵"，正是艺术家在深入体验自然生命律动之后，将其凝练表达于画面的结果。顾恺之"迁想妙得"正是体验与审美相融合的创造过程。又如王维的山水诗"明月松间照，清泉石上流"，若无对山林月夜的深切体验，便不可能写出如此空灵幽远的意境。

其次，艺术审美是艺术体验的升华与归宿。 艺术体验本身还不能自动转化为审美价值，它必须经过审美观照与创造，才能超越"经验"层面而成为艺术之美。宗白华说，美是"客观方面"，"生命"是"主观方面"，而"美与美感"的统一，即在审美活动中实现。艺术家通过审美观照，将零散的体验提升为有意味的审美意象，从而完成艺术的创造。

结合实例来看， 郑板桥画竹，其"眼中之竹"是对竹的所见所感（艺术体验），"胸中之竹"是审美观照后的内心意象，"手中之竹"则是审美创造的物化呈现。艺术审美正是把普通的体验升华为独特的艺术形象。戏曲中演员对生活的体验，也要经过"程式化"的审美提炼，才能成为舞台上的"美"。

再次，艺术体验与艺术审美在动态过程中交融统一、相互生成。 宗白华的美学强调"生命的节奏"与"意境的创造"。艺术体验为审美提供血肉与材料，艺术审美则赋予体验以形式与意蕴，二者是不可分割的整体。艺术体验越深厚，审美创造越有根基；审美境界越高远，艺术体验越能被重新激活与深化。这正是"外师造化，中得心源"——造化（体验）与心源（审美）的统一。

结合当代实例来看， 传统戏曲《诗宴·唐才子传》融合唐诗文学性与昆曲表演艺术，在现代舞美技术催化下产生强大感染力。其成功正在于创作者既有对传统艺术精髓的深厚体验（水磨调、四功五法），又能将其提升为当代审美语境下的艺术呈现。体验赋予其底蕴，审美赋予其活力，二者相得益彰。

宗白华的美学思想启示我们：真正的艺术之美，从不是冷冰冰的客观知识，也不是空洞的主观情绪，而是体验与审美的深度融合。"散步"之所以是美的，正因为它以从容自由的心态体验生命，又在体验中捕捉到生命的节奏与韵律。这提示当代艺术创作者要"深入生活、扎根人民"，以真切体验夯实审美根基；也启示我们要培养从容自由的审美心态，在生活的"散步"中发现美、体味美、创造美。

总结而言， 在宗白华《美学散步》的视野中，艺术体验与艺术审美如同"散步"的两条腿——体验是基础与起点，审美是升华与归宿，二者在动态的生命节奏中交融统一。正如宗白华所言："中国诗画中最高境界，在于空灵中蕴含着充实。"唯有以体验为根、以审美为魂，艺术才能真正走进人的心灵，成为照亮生命的美的光辉。