夜雨聆风ZOUWUVIEW ⑮
< 驺吾带你看世界>
每年的中国美术学院毕业展，都是观察中国青年艺术创作的重要窗口。
2026年，中国美术学院毕业展以“壮游”为总主题，而绘画艺术学院则提出了自己的分主题：“放歌”。如果说”壮游”意味着站在更高的视角，对未来展开一次探索，那么”放歌”则更像是一种回应。它不是简单的自我表达，而是在思考”我们将以怎样的方式进入这个时代”之后，所展开的一次关于自我、材料与身体经验的实践。也正因如此，今年绘画艺术学院的作品，比往年更明显地呈现出一个共同的问题：
当AI开始生成图像，当算法不断塑造视觉，我们为什么还要画画？
而绘画艺术学院给出的答案是：
技术，从来不仅仅是一种技能。
很多人会觉得，美院教育最重要的是训练技巧。事实上，中国美术学院所代表的教育体系，更接近一种“让手艺成为思考方式”的传统。这一点与不少美国艺术院校相似。学生需要长期掌握一种媒介、一种材料、一种身体性的劳动方式，再在此基础上发展属于自己的表达语言。相比之下，部分英国艺术教育则更强调观念先行，由思维主导媒介。
两种路径并没有高低之分，只是关注点不同。
而在中国美院，绘画始终不是简单复制现实，而是在不断与材料、身体和时间相处的过程中，逼近一种真实。这种真实，并不是照片意义上的真实，而是一种无法被算法轻易替代的经验。
今天，我们将沿着油画、壁画、综合绘画、版画四个专业的脉络，带你一同复盘今年国美毕业展中那些最动人的思考。
▲ “放歌”主题海报
本期视野，让我们跟着Tei老师，一起来看看2026中国美术学院毕业展，绘画艺术学院在回应怎样的时代吧。
Tei老师
多摩美术大学 绘画专业
6年海外求学 · 7年教育实践
绘画/摄影/当代艺术
建立艺术新认知
油画系
算法冲击下的“爆款”与超现实回响
今年的油画系，延续了去年对于AI时代的敏锐触觉：在算法与观念的席卷下，绘画如何平衡形式与冲击？
令人欣喜的是，本届毕业展在小红书等社交媒体上频繁“出圈”，诞生了多款链接大众共同记忆的爆款作品。
▲李超意：下楼梯的少女 / 130cm x 200cm 布面油画 / 2026
这件作品戏仿了西方经典名画《下楼的裸女》，但主角却换成了当代韩国女爱豆刘志敏（Karina）身着Prada在秀场下楼的抓拍。
经典名画中的下楼女性，面向的是艺术家自我与纯粹的艺术“灵光”；而当下的爱豆下楼，则是消费主义语境下大肆宣传的公共景观。作者借此解构并复述了当代人如何将目光聚焦于“他者”与“消费”的精神状态。
▲张凌岳：王的凝视 / 270cm x 270cm / 布面油画 / 2026
作品画了一幅美术生乃至大众都极为熟悉的大利雕塑家米开朗基罗的作品—大卫。当这个肖像被无限放大时，现场观众会产生一种近乎崇拜的巨物感。结合文本标题，人物的熟稔度、光学环境三者合一，在互联网上引发了现象级的传播。
可以发现，今年许多油画作品都具有几个共同特征：
高饱和度视觉；
超现实主义倾向；
强烈的网络传播属性
它们既保持了学院派扎实的绘画能力，又主动进入互联网传播环境，这也成为今年油画系最大的特点。
在“爆款”之外，展厅里两组并置的超现实主义作品同样有趣：
▲金也：魔盒系列 / 布面油画 / 2026
偏向写实的超现实主义。在扎实的基本功之上，它更易于被大众解读和接受，甚至具备了向互联网展示和消费品转化的潜力。
▲解焰竣：尖刺小屋清单系列 / 油画 / 2025
《尖刺小屋清单》：偏向抽象构成的超现实主义。它将绘画与立体表现相结合，直接挑战观众对空间和常识的认知。
有趣的是，同样是超现实主义，当作品越接近写实，它越容易被公众理解，也越容易成为社交媒体中的”爆款”。而越抽象，作品则越需要观众主动进入其中。
这种差异，本身也是今天艺术传播的一部分。
壁画系
传统岩彩与现代思维的“跨界”火花
壁画专业一直是最强调材料和空间关系的专业。
由于壁画天然依附于建筑，它不仅仅是图像，更是一种空间经验。因此，今年壁画系最有趣的地方，并不是画了什么，而是传统媒介如何回应今天。
▲ -闵钰烨：The Last Time/ 综合材料 / 2026
现场一件将“亚克力与绘画结合的长卷作品”格外吸睛。它的形式是中国传统的卷轴，但仔细观察其色彩与内容，却透露出强烈的“赛博朋克”感。这恰恰折射出当代艺术生的群体语境——他们既处于前沿的新技术环境中，又在学习古老的技艺。这种新旧交织的矛盾与迷茫，被完美地转译在画面中。
▲汪艺萩：回到春天动物园/ 纸本岩彩 / 2026
另一组作品色彩古典，呈现出早期日本浮世绘的色调。壁画本是一种面向大众的“公共表达”，但作者却用它记录了极度私人的记忆与情绪日记。它不仅跨越了当代与传统，也跨越了公共与私人、中国与日本的绘画感知，形成了极具质感的复杂表达。
综合绘画系
退回身体，专注每一个当下的瞬间
往年的综合材料专业更偏向基于材质的抽象主义尝试，而今年，材料的使用相对克制，主题则更加自由，直指感官与内心的触觉。
▲ 黄珈蕙：VIVA LA VIDA 系列 -1- 在安东尼奥叔叔家的星期天 / 60cm × 60cm / 水彩、粉画 /2026
这是一件由外籍学生创作的作品。餐桌上的食物是画面的主体，但有趣的是，旁边配有一个可由观众任意重组的拼图。它提出的问题其实非常简单：中心是谁决定的？
对于长期生活在一种文化中的人来说，我们很容易默认自己就是世界中心。但当身份转换，我们才意识到，所谓”中心”，本身就是一种建构。
▲ 李佳：冬泳 / 360cm × 150cm / 纸本水彩
另一件大幅水彩作品捕捉了“跃入冬日泳池前的一瞬间”。那是周围寒气逼人时，内心的忐忑与渴望，痛苦与快感，失控和重启交错的复杂心理。作者用流动的水彩完美诠释了这种游移不定的感官体验，并将他称之为“难以替代的临界状态”。这种作品，几乎无法被AI替代。
因为它讨论的不是图像，而是身体。
事实上，这也是近几年国际艺术教育越来越关注的方向。
在AI越来越擅长生成图像之后，艺术家开始重新回到身体经验、感官经验，以及那些无法被算法复制的真实感受。
版画系
在宽阔的新空间里，完成身体与社会的双重互联
与前三个专业不同，今年的版画展移至全新的“浙江版画院”。场馆开阔现代，为观展带来了极佳的多维体验。
▲ 乐然：散步系列 / 尺寸不一 / 综合材料 / 2026
创作者像画随笔插画一样，将画面印制在纸张、塑料袋、纸袋甚至木头上。这种随性的笔触与材质，加上轻松的展陈方式，将“散步”这一行为转化为了一种向内的思考与冥想，非常耐看。
▲牛晨：拆除卡莱尔：崇拜的网格与英雄宾果 120cm x 160cm / 丝网印刷 / 2026
在这组作品中，作者设计了一个“英雄宾果游戏”。人们通常对英雄主义仰望膜拜，但作者将英雄的话语和符号放进宾果游戏的格子。当你能认可并连成线时，神圣的概念被消解，取而代之的是一种戏谑的表达。
▲叶丛：树会带谁去哪里，光波是真空的泪 / 88cm x 69cm / 宣纸、照相平版 / 2024 等
这是一组利用平版对摄影作品进行再印刷的佳作。它无法用简单的文字去逻辑推算，必须去到美术馆现场，感受那份朦胧的情境与高阶的印刷质感。它抓住了视觉感知上诗意的平衡，展示了艺术不可触及的纯粹魅力。
▲何辰昊：支点 / 244cm x 488cm / 装置 / 2026
作者将版画做成了一面攀岩墙。版画创作需要极其繁重的身体劳作，雕刻与制作时必须全神贯注。这就如同攀岩——一旦走神，灵魂离开身体，就会从高处坠落。这件作品成功将“身体的运动感知”转移到了对“绘画创作”的解读之中。
▲许伯阳：消失的豹子 / 180cm x 76cm / 石版、艺术微喷 等
作品以去年“杭州动物园豹子出逃消失”的真实新闻为切入点，展开对讨论人类中心主义、信息传播，以及公共记忆等探讨。
动物园作为人类围观动物的场所，其存在本就充满争议。
更深一层的反思在于，在这个信息飞速刷新的时代，社会对重大新闻的关注往往只有几秒钟，随即就被新信息淹没。豹子最终去了哪里，也渐渐没有人关心。真正消失的，也许并不是豹子，而是人们持续思考一件事情的能力。
作品结合版画、摄影、文字、雕塑与装置，让媒介本身成为思考的一部分。
结语
AI时代，艺术教育真正培养的是什么？
看完整个绘画艺术学院毕业展，我越来越觉得，今年最重要的并不是某一件”爆款作品”。真正值得关注的是，越来越多年轻艺术家开始重新思考：
当图像越来越容易被生成，艺术还能提供什么？
答案或许正藏在这些作品里。
它可能是一种身体经验。可能是一种材料劳动。可能是一段私人记忆。
也可能是一种无法被语言完全解释的感受。
艺术教育培养的，从来不仅仅是绘画技巧。它更是在训练一种观看世界、理解世界，并最终表达世界的能力。
所以，我们为什么鼓励大家多去逛逛美术馆？
艺术无法替我们回答所有问题，但它常常能够让那些原本混乱、模糊、难以言说的情绪，慢慢获得一种可以被感知、被分享、被理解的形状。
这或许也是今天我们依然需要艺术教育的原因。
图片来源：浙江美术馆/浙江版画院 自摄
驺吾国际艺术教育
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