夜雨聆风
这两天我重新看了一遍《丧尸清道夫》作者 Mx-Shell的分享。
刚开始，我也以为最值得学习的是小云雀短剧 Agent 画布，或者 Seedance 2.0 这种模型能力。毕竟大家看到一条全网播放量过 1 亿的 AI 短片，第一反应通常很直接。
他到底用了什么提示词？
但真正让我停下来的，是另一个数字。
作者提到，做《丧尸清道夫》的时候，他一共生成了 200 多个成品，还删掉了 20 到 30 个完全不符合要求的片段。
《丧尸清道夫》成片开场氛围片段
这个数字比完整提示词更值得深入研究。
因为 200 多次抽卡背后，贵的并不只是积分和时间。更贵的是每一次抽完以后，你要能判断这一条为什么能用，为什么不能用，哪里能靠后期拯救，哪里必须重来。
我们很多人做 AI 视频卡住，就卡在这里。
他会点生成，也会写电影感、真实质感、赛博朋克。真正缺的，是一套判断镜头的基本功。
抽卡先考审片能力
原作者有一个很有意思的创作习惯。
他很少使用分镜图、首尾帧和故事板。原因也很直接，他脑子里已经有成型画面，所以想最大化发挥 Seedance 2.0 的潜能。
这句话对咱们新手挺扎心。
他可以这么做，是因为画面已经在脑子里了。普通人如果脑子里还没有画面，只学他的抽卡方式，很容易变成纯烧积分。
同样生成 4 条结果，有经验的人会马上看出哪一条只是小瑕疵，后期能救；哪一条动作方向不对，接不上下一段；哪一条景别选错了，情绪完全没出来；哪一条画面虽然炫，但太像游戏 CG，不能放进正片。
我们看到的往往只有一句，好像不太对。
这就是差距。
所以这篇不聊玄乎的，也不聊神级提示词。我们沿着作者这次公开课里真正有价值的经验，拆解出一条普通创作者能练起来的路径。
先学景别，再学运镜，然后补质感和后期。
听起来像传统影视课，但放到 AI 视频里，它们会直接决定你抽卡有没有方向。
先学景别
作者讲提示词时，把画面内容拆成几个部分，里面有分镜、景别、构图、运镜手法和核心故事信息。
我们刚开始最容易跳过的，反而是景别。
景别最简单的理解，是镜头离主体有多远。它不只是远近问题，它决定观众和角色之间的关系。
这下面就是不同的景别，给我们的感受也不一样。
特写、中景、远景、细节镜头
特写看情绪和细节。机器人清道夫屏幕上的表情、枪口上的磨损、丧尸手指的抽动，这些都要靠特写让观众看见。
中景看动作。举枪、转身、后退、推门，太近会乱，太远会没力量。
远景看空间。废弃超市、货架、门口霓虹、机器人和丧尸的位置关系，要先让观众知道人在哪里，危险从哪里来。
微距、大广角、监控镜头会带来更明确的风格。微距放大细节，大广角压出空间，监控镜头天然带一点冷静、旁观和不安。
《丧尸清道夫》成片空间景别片段
懂了景别以后，筛选片段会具体很多。
一条片废掉，可能并不是模型差。它只是该用特写的时候给了远景，情绪没了。
一条片还能救，可能是远景虽然空了一点，但空间关系清楚，可以放在前面做环境交代。
一条片必须重来，可能是动作镜头给得太近，观众看不清角色到底做了什么。
这才是 200 多次抽卡真正有价值的地方。它不是单纯一遍遍重跑，更像是在一遍遍训练自己判断镜头。
再学运镜
很多 AI 视频看起来假，不一定是因为画面不清晰。
更常见的问题，是镜头像一个悬浮的游戏视角。
角色在跑，镜头只是平滑地跟过去；丧尸扑过来，镜头完全不紧张；机器人转身开枪，画面没有推近、晃动、停顿，力量感就弱掉了。
作者在分享里提到，运镜可以写 推、拉、摇、移、固定镜头、手持拍摄、第一人称、希区柯克变焦。
这些词不是用来显得专业。它们是在告诉 AI，这个镜头应该怎么被拍出来。
固定、推近、横移、手持方向
刚开始学，不需要一下子把所有运镜背完。先记住几个最常用的就够。
固定镜头适合交代动作。机器人从货架后走出来，观众可以清楚看到动作发生。
缓慢推近适合制造紧张感。机器人听到声音，屏幕脸有一点变化，镜头慢慢靠近，观众会自然把注意力放到它身上。
横向跟拍适合移动动作。奔跑、追逐、躲避，都需要让动作方向清楚。
手持拍摄适合混乱和危险。丧尸突然冲过来，画面轻微晃动，会比完全平滑更像现场。
第一人称适合沉浸。观众跟着清道夫走进废弃超市，比单纯看一个角色走进去更有代入感。
《丧尸清道夫》成片运动追踪片段
同样写一个打斗镜头，紧张刺激的电影级打斗其实很虚。
更有用的写法，是把主体、动作、空间和镜头运动放到同一条描述里。比如让镜头手持跟随机器人后退，远处丧尸从货架后方扑出，机器人抬枪时镜头快速推近。
这类描述不需要公开成完整提示词。关键是让大家能明白，运镜不是装饰词，它会决定 AI 怎么组织动作。
质感要拆开看
这场分享里还有一个特别实用的点。
作者说，想降低 AI 感，可以加入极致逼真、真人实景拍摄这类关键词，同时加限制词，比如杜绝游戏 CG 感、杜绝动作僵硬。
这句话表面看是提示词技巧，往深一点看，其实是在讲画质判断。
很多 AI 视频看起来塑料，问题往往不在模型强弱，而在画面没有真实拍摄里的质感逻辑。
真实拍摄里有镜头，有光线，有色彩影调，也有材质细节。
干净画面到真实废墟质感
同样是原子朋克丧尸超市场景，如果只写电影级质感，AI 可能会给你一张很亮、很干净、很像游戏宣传图的画面。它能看，但很难让人相信这是一个真实发生过的场景。
更具体的做法，是把质感拆成几层来想。
第一层是拍摄设备感。低机位、广角镜头、浅景深、手持感，给的是拍摄方式。
第二层是光线。冷色荧光灯、侧逆光、灰尘里的体积光、金属反光，给的是现场氛围。
第三层是色彩影调。低饱和、偏青绿色、暗部保留细节、高光不过曝，给的是片子的气质。
第四层是材质。生锈金属、旧塑料、积灰玻璃、磨损制服、油污地面，给的是可信度。
最后再加反向限制。避免游戏 CG 感，避免皮肤蜡像感，避免动作僵硬，避免过度锐化。
这里要注意，提示词不是越长越好。
真正有用的是你先知道这条片子要什么味道。又要末日废墟，又要明亮干净，又要梦幻柔光，又要硬核写实，AI 很容易混乱。创作者的审美就在这里体现出来。
不会写武戏，也能先拆动作
我很喜欢作者讲武戏那一段。
他很坦诚地说，自己不擅长写武戏动作，所以会先让 AI 生成初始提示词，再反复修改，添加限制条件，比如不要弹壳、不要狂暴丧尸、不要慢动作，直到贴合需求。
这段比万能提示词有用多了。
真实创作就是这样。你不可能什么都懂，也不需要假装自己什么都懂。AI 可以帮你补第一版，但最后那一版必须由人来判断。
复杂动作尤其如此。
作者没有把每个构图都框死。他更像是在标注阶段内容、时间限制、景别和运镜方法，同时给 AI 留一点发挥空间。高速运动场景如果卡得太死，反而容易僵硬。
动作镜头不要只写机器人和丧尸激烈战斗。你可以先把它拆成几个连续动作。
丧尸从货架后扑出。机器人后退半步，抬起清理枪。镜头手持跟随，画面轻微晃动。枪口闪光后，切到丧尸倒下的反应镜头。
这样写不一定一次完美，但每次抽卡都有判断依据。哪一段不成立，就改哪一段，没必要把整条思路从头推翻。
这里看看作者的成片效果。
《丧尸清道夫》成片动作衔接片段
后期是在做第二轮导演
很多人低估后期在 AI 视频里的作用。
大家会觉得，AI 生成完，剪一下就行。可作者后半段讲的剪辑技巧，反而很能说明为什么这条片能成立。
比如字幕分层。
想让字幕出现在人物后方，不需要让 AI 生成。复制一份原始素材，放在文字图层上方，把人物抠出来，就能做出背景、文字、人物前景的层次。
再比如运动匹配。
不同批次生成的片段，不一定是连续动作。但只要镜头方向一致，人物运动方向一致，两个片段就能接得比较顺。一个镜头从左往右冲，下一条也保持这个方向，观众会自然觉得动作接上了。
速度也会影响力量感。
打斗片段微调 0.1 到 0.2 倍速，紧迫感会变。这个变化不是模型给的，是剪辑判断给的。
光线方向也很关键。
两个镜头里光从相反方向打过来，观众可能说不出哪里错，但会觉得画面跳。作者提到可以用镜像翻转调整光线方向，还要注意旗杆这类场景细节，避免穿帮。
字幕分层、运动匹配、速度微调、光线方向和统一调色
这些东西都不玄乎，但很要命。
AI 视频真正进入交付阶段后，剪辑不是最后随便拼一下。它是在替生成结果做第二轮导演。
普通人该怎么练
回到那 200 多次抽卡。
如果只是无脑重跑 200 次，那只是烧积分。真正值钱的是每一次抽完之后，你能不能说清楚这一条为什么能用。
我会建议按这条顺序练。
景别、构图、运镜、质感、后期
先练景别。看到一条废片，先判断它是不是该近的时候太远，该远的时候太近。
再练构图。主体有没有站住，前景和背景有没有帮它服务，画面有没有把观众的眼睛带到该看的地方。
然后练运镜。固定、推近、横向跟拍、手持、第一人称，先把这几种常用动作吃透。
接着练质感。别只写电影感，要能说出光线、色彩、材质和限制词。
最后练后期。字幕分层、运动匹配、速度微调、光线方向、色彩统一，这些都是把生成素材变成作品的关键步骤。
这条路没有复制提示词那么爽，但更接近真实创作。
工具会继续变，模型会继续升级，小云雀这类 Agent 画布也会越来越强。越往后，真正拉开差距的，反而是你能不能把工具给你的素材，拼接成一个能看的作品。
所以下一次抽卡的时候，先别急着重跑。
先问自己一句：这一条为什么能用？
如果你能说清楚，抽卡就开始变成创作。
结语
如果你也在做 AI 视频，可以先把自己的失败片段存下来。
不要只留成片，把废片也存下来，标注废在哪里。比如景别不对、主体不清晰、运镜不丝滑、质感太假、动作接不上、光线穿帮。
这会比收藏 100 条提示词更有用。
我们后面也会继续把这类真实案例往更加细分内容拆解，景别怎么练，运镜怎么写，画质怎么调，后期怎么救。
工具会继续变，但你判断镜头的能力，会一直留下来。
